COMPRIS DANS LE PAYSAGE

Georges Guillain

 

Editions Potentille

7 €

2^ième Trimestre 2010-09-11

 

 

Compris dans le paysage est le dernier livre de Georges Guillain qui paraît aux éditions Potentille. C’est un long poème né de l’immersion d’un homme dans un paysage lié à des événements tragiques.

ROUGE / Je l’écris / cherche les mots / hésite après / dans les failles.

On songe à des crimes proférés contre des hommes dans des lieux aujourd’hui de mémoire et à jamais marqué par la barbarie. On pense à un camp de concentration situé dans les pays de l’Est, quand soudain le sous titre du poème, Fin d’été, Struthof  nous confond, nous ramenant soudain dans un  camp de la mort qui fut situé en Alsace tout près de Strasbourg. Poème, à l’écriture ciselée, formé de  vers ténus, par deux ou trois souvent emplissant des pages aérées. Strophes courtes, espaces de blancs -  pour dire l’indicible ? -  qui au cours du poème muent jusqu’à voir les mots envahir l’espace d’une page, comme pulvérisant le vers contre nos habitudes.

 l’écrire / ombre / moi-même / figure / qui s’effondre / tracé / fuyant / une brûlure brusquement / que bientôt /  personne ne / saura / plus / dire/

L’écriture de Guillain est précise, elle adhère au lieu, en son paysage, tentant d’approcher au plus  près son histoire funeste. On ressent à la lecture du poème, une conscience qui s’érige contre ce que l’on soupçonne, cette impensable monstruosité commise contre nos semblables,  entachant à jamais dans l’ombre de la forêt proche, la dimension humaine.

L’écrire  / pour me souvenir / moi / une vie ordinaire sans rien /  sans souvenirs immondes sans grincements de dents /    

Dans cette géographie du souvenir  l’intime présence du poète s’affirme avec indignation, dans une langue tendue, face à ce crime contre des hommes, qui sans cesse aux mémoires, noue les viscères du corps. Et lorsque les vers suggèrent les expériences médicales qui furent menés dans ce camp, la désolation et le dénuement semblent au plus vifs. Nos masques maintenant au dessous du visage.

Les mots de Guillain sont  formés à la forge sensible. Tout est approché. Suggéré. Le poète puise en ses sources même pour rappeler les vertus de la mémoire, qui dans des lendemains futurs pourraient encore guider nos pas en des chemins plus rassurant. Alors partageant les vers de ce livre nous pouvons dire :

Ici / nous n’auront pas tout perdu /

 

HM

DEHORS

Jean-Pierre Védrines, 

Librairie Galerie Racine,

Paris,

48 p.

12 E.

 

A travers les paysages, les plus simples sources des émotions les plus fortes Jean-Pierre Védrines continue de chercher ce que nous ne pouvons atteindre. Dans l’automne et parmi les feuilles mortes, sa nuit ne peut pourtant le prendre dans ses filets. Il suffit au poète une épaule plus douce que les autres. Elle le mène au bout du flamboiement des arbres  de l’automne à travers les vignes d’Aude où les mains grappillent l’existence.

 

« Dehors » fait ainsi l’horizon du dedans, il concentre non le songe mais une vérité primaire qui pour autant n’innocente pas notre dérive. Védrines déroule ses draps : ils deviennent les tapis volants qui l’emportent dans le tourbillon. Celui-ci fait de chaque pensée une douce brûlure.  Au moment où des images d’enfance surgissent il faut alors en multiplier les lumières comme la neige le fait au soleil afin de renforcer ses pouvoirs.

 

Une telle poésie pèse sur la vie, la perce jusqu’aux vignes de l’âme. On y trouve des cailloux habités par le vent. Aucun n’aura débordé l’avenir. Ils sont là. Là  où le corps se penche et retourne aux grains de raisin des temps anciens. Le poète finit de croire que l’attente apaiserait l’absence. Son livre bat les instants, des mèches d’aube aux lambeaux du crépuscule. Ses seuls oiseaux fous sont les araignées dans sa tête venues dresser leur cinéma muet. Le lointain du temps ne reste plus immobile.  Sa chair sensible ne se réduit pas en cendres, un feu l’anime toujours.

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PORTRAIT DU PERE EN TRAVERS DU TEMPS - JAMES SACRE - DJAMEL MESKACHE

James Sacré – Djamel Meskache

Éditions La Dragonne

 

18 €

Mai 2009

 

Ce livre est le troisième de la collection Carrée des Éditions La dragonne. Il est conçu comme le lieu de rencontre d'un poète et d'un plasticien. Des lithographies de Djamel Meskache accompagnent les poèmes de James Sacré comme autant de signes de l’amitié qui les lie. Des lithographies lavis où des rouges, des jaunes, des bleus cohabitent avec des noirs en des formes pouvant suggérer des fleurs en bouquets. Une collaboration étroite quand un poème est dédié à Djamel Meskache dans ce livre qui approche un portrait du père et dit son manque. Djamel Meskache est aussi poète et éditeur des éditions Tarabuste. 

Ici, la langue est simple dans des mots de tous les jours. Et ce qui fait la beauté du livre, c’est le langage, l’articulation des mots. Une langue mélangeant en elle passé et présent, plaisirs et défaites, souvenirs et projets. Cela forme comme des strates de matières composant des territoires intimes, que pourraient interroger des archéologues du langage « Où des poèmes font bruit d’une improbable langue ? ».  Une intimité se révèle qui traverse l’universel humain : « Il n’y a pas que mon père / D’autres sont là / Le tien lecteur… »

 

Comment parler de ces poèmes écrits entre mars 2001 et avril 2008 tant ils procèdent par touches, dessinant les contours, recadrant en regards multiples ces portraits approchant le visage, l’existence du père. On ne sait si les autres - morts - dont il est question  sont là comme autant de signes rappelant l’absence du père ou si ces poèmes cernent aussi le visage de la mort qui efface les corps des tous êtres aimés. Il y a dans une proximité à la mort du père, celle d’une tante puis d’une autre, puis d’autres morts encore, qui font échos à la perte dans la douleur recommencée, la remémoration de l’absence. Le visage du père - son absence – réapparaît en superposition  à l’occasion d’une scène, d’un fait, d’une information nouvelle... Il en va ainsi avec la couleur bleue de la bouillie bordelaise, la simplicité d’une émission de radio, une route d’Arizona ou la ville de Vitré... Tout ici est prétexte, inconscient, à rappeler la figure du père.

Mais écrire ne peut rien, la poésie n’y peut rien changer. Pourtant, les tentatives de la poésie à ré-susciter le père, son visage, malgré son absence et la réalité de la tombe ne sont pas entièrement vaines. « Quoi donc est vivant / dans ces mots que voilà écrits ? À peu que je voudrais pleurer. » écrit James Sacré.

Ce qui est vivant ?  C’est sans doute ce qui s’échappe de ces poèmes. Ces éclats de beautés, leurs prégnances qui enserrent parfois la poitrine du lecteur. Ce qui est vivant ? C’est le commun lieu de cette humanité qui nous fonde entier, et nous assemble pour nous désigner tous femmes et hommes face à la vie.

 

HM

LA SUPREME EMOTION

Snowdon King,

 

ASLRQ Éditions,

Pierrefonds, Québec,

116 pages.

 

 

PASSAGE DES SEUILS

Le processus d'écriture de Ionut Caragea (Alias Snowdon King) dans "La Suprême émotion" constitue le lieu d'une enquête préliminaire. Le poète d'origine roumaine - et même s'il prend un nom à l'américaine, on verra pourquoi plus loin - ne joue pas pour autant à cache-cache avec son histoire. Son livre donne l'effet d'un puzzle. En effet ce dernier ne se laisse connaître que sous formes d'indices dispersés. Prenant le risque de la poésie (donc de l'écriture de soi) Snowdon King cherche à donner une assise à l'afflux de tout ce qu'il draine en lui. Les dépôts de vies (le "s" est important puisque par l'exil il en connaît déjà deux) et de lectures se transforment en impulsions et effluves poétiques. "La suprême émotion" devient une sorte de journal intime qui roule des mers intérieures de la Caspienne à l'embouchure du Saint Laurent.

 

Surgit un autoportrait fiévreux et lyrique. Il contient de belles réflexions, des moments rares d'intensité même si la poésie demeure parfois emphatique et ouvre à quelques (rares) réticences. Mais Snowdon King est jeune. Or le chemin de la poésie est long. Il faut du temps pour faire bouger la langue. Reste tout de même des oratorios de la douleur et de la rédemption au sein d'un univers qui à n'en pas douter deviendra singulier. Les germes sont là d'un souffle et d'un condensé humain à la recherche de la réconciliation. Dès lors ce qui compte n'est plus : 'qu'est-ce qui se dit du monde dans la poésie ? "mais comment ?". Chaque poème inscrit un moment donné. Il correspond par son souffle à des événements vécus.

 

Par ailleurs le poète n'a de cesse de chercher des rapports entre l'écriture et la vie. Rien ne l'oppose donc à ce qui serait le réel, au contraire. En ce sens la question de l'amour est importante pour lui. S'y joue bien plus que sous toute autre forme le lien au monde. Celui-ci passe aussi par le choix du "format" des poèmes. Certains permettent de faire un type d'inscriptions. Mais celles-ci se modifient à chaque transfert de formats. Les  petits réclament de plus réduits encore. Plus loin, à l'inverse, tout doit s'élargir vers quelque chose de plus grand. Pour Snowdon King il ne peut donc pas y avoir de stockage des formats prédéfinis.

 

Leurs choix s'effectuent dans la continuité et l'impératif "logique" du travail de reprise et de conquête du poète. Et ce même si l'auteur se bat pour conquérir l'essence de sa voix la plus profonde :

 

"D'où venez-vous, mes mots

De quelle maçonnerie de la nuit

De quelle magie blanche de la neige éternelle

De quel cœur dont les fenêtres sont fermées

Peut-être une boîte à surprise

De désirs sans fond"

 

écrit-il dans "La magie des mots aux dents acérées". Il prouve là combien la poésie est une exigence. Car pour le poète les mots sont aussi "naturels" qu'énigmatiques. Et parfois ils se déploient à la manière d'arabesques matissiennes - même s'ils sont traités d'autres fois de manière brutale puisque tracés par la succession d'interventions particulières dont ils tentent de conserver l'état particulier.

 

L'ambition de Snowdon n'est pas de créer de la poésie de poète, pas plus que d'en faire un jeu qui limiterait les textes à un délassement. Il s'agit de l'envie de se confronter avec l'idée de la matière poétique en tant que matière du monde. L'ambition est majeure. Elle réclamera encore de l'approfondissement mais elle donne l'occasion d'une confrontation avec une masse, un poids, une épaisseur de vie.  Elle est traitée par couches. Cela permet déjà  d'envisager la  question de la densité même si parfois une part de "jeu" ou de distance permettrait paradoxalement une respiration plus ample en une sortie de l'étouffement.

 

Néanmoins ce texte permet à Snowdon King  d'éprouver ses vies et de les accepter. C'est aussi un pari pour lui de voir comment son travail va se développer dans un lieu et un contexte particulier. Influencé par ce qui le précède, le poète ne tourne pas autour du pot. Son écriture devient une manière de dire la difficulté de s'extraire de certains chemins pour en trouver de nouveau même

 

"s’il n'est pas jusqu'au moindre départ

qui ne laisse derrière lui un retour".

 

Par ce biais Snowdon King aborde aussi la question des limites et des seuils  tout en accordant à la poésie ce qu'on lui refuse trop souvent aujourd'hui : le privilège d'une  beauté plus agissante que décorative.

 

L'écriture devient le moyen de franchir des passages, d'explorer le rapport du "fond"  au "motif". Cela renvoie à une forme de dilatation de l'expérience vécue.

 

La poésie reste en conséquence capable de passer d'une logique d'espace "européen" (espace centripète) à un espace plus "américain" (centrifuge). D'où sans doute la volonté du poète de changer de nom. Cela n'est jamais innocent et révèle une manière de parier sur le futur plus que de se crucifier au passé. Certes la situation du poète fait que son héritage est complexe mais celui-ci impose la nécessité inhérente de passer des seuils. D'ailleurs le poème se distancie de l'espace. Il prend place sur une surface qui peut excéder le présent. Entre la vie et son inscription poétique surgit une nouvelle source d'expérience : celle des livres à venir. C'est pourquoi "La suprême émotion" reste un livre avenir.

 

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SHARAWADJI - Manuel du jardinier platonique

Pascale Petit

 

Éditions L’inventaire – Ville de Rambouillet

 

17 €

2 ième semestre 2010

 

 

Est-ce dans l’intention de cultiver son jardin secret que Pascale Petit a choisi d’écrire Sharawadji. Manuel du jardinier platonique dont la composition est bien singulière ? Un livre qui paradoxalement lui offre l’occasion de s’écarter des limites ordinaires du jardin, pour s’infiltrer par la poésie dans les territoires de l’humour, de l’amour et parfois avec certains poèmes de la troisième partie, dans ceux de l’érotisme. « Ouvrez ma pastèque/ trouvez mon coquelicot / Mes lèvres ont donné leur nom /... » Ici l’écriture du livre étire les territoires du jardin aux frontières de l’intimité amoureuse. C’est par l’imbrication de formes diverses : calligrammes, poèmes, proses, croquis, proverbes ...et dans l’ambiguïté des registres de lecture possibles que se loge aussi l’un des plaisirs suscité par ce livre.

 

Divisé en quatre saisons le livre semble organisé comme un almanach. Dans chacune des saisons, des rubriques redondantes rappellent au lecteur la forme de sa composition : « Proverbes du jour », « La leçon du jardinier », « Exercices ». D’autres intitulés plus singuliers, comme « Le nombre de pas » ou des textes « duos » viennent cadencer dans le même esprit la composition du livre et élaborent en guise  de fil d’Ariane les signes d’une relation amoureuse.  

 

Sharawadji : Terme exotique, qui désigne la beauté qui advient sans que soit discernable l'ordre ou l'économie de la chose…. L'effet survient contre toute attente et transporte dans un ailleurs, au-delà de la stricte représentation, donc hors contexte.

En effet, la lecture provoque ici parfois des plaisirs subreptices, qui nous sortent d’un coup – et contre toute attente –  de nos impressions premières par un rire, une joie ou un étonnement.  Sharawadji !  pourrions nous alors crier  lorsqu’une émotion surgit soudain au cours de  notre lecture. Oui, l’effet sharawadji  ressemble au plaisir suscité par la poésie, quand la lecture d’un vers nous étreint curieusement la poitrine.

 

Le poème calligramme qui débute la première saison a l’apparence d’un labyrinthe, renvoyant à des jardins où, songe-t-on, le jardinier et la jardinière ne cesseront de se rechercher au cours du livre pour se séduire  au rythme des textes intitulés « Le nombre de pas » : « .../ Au quatrième pas, combien nous en reste-t-il ? / Faisons un pas de plus, voulez-vous bien ?/ Voire plus./.. ».

 

Et Pascale Petit pose la question : Est-ce que le nombre de nos pas changent le paysage ou la qualité de notre regard ? Ou notre regard qui guide notre émotion parfois ou simplement le jardinier ? s’interrogeant sur ces obscurs objets du désir qui guident nos comportements de séduction. Cette question du désir sans cesse affleure à travers le vocabulaire choisi. On la trouve parfois en des noms de végétaux semblant sortir d’un dictionnaire de botanique tels sassafras, héliconias, benjoin, sapinette, plaqueminier, tamariqsue… D’autres fois en des mots que l’on prononce en bouche comme autant de gourmandises savoureuses.  La troisième saison du livre qui,   passé les bords,  se lit entre les lignes dans au moins un double entendement me semble significative de l’élaboration du livre où un poème est précédé de ces vers : « De ce qui se passe au bord / il ne sera rien dit / car vraiment on s’y tient très mal,/ on s’y tient très mal. »  Beaucoup donc nous sera suggéré !

 

« on sème / on sème / on sème / (Car on a le secret / Pour tout faire arriver / Jusqu’à la bonne grandeur / Pour être manié / Puis on délivre le jardinier...) » Ainsi l’homophonie et des jeux de sonorités font aussi surgir en nous ces étonnements ludiques et malicieux. « j’me plais dans les près, j’me plais / j’me plais dans les près, j’me plais / »

 

Il faut découvrir ce livre riche par sa diversité et ses registres de lecture multiples écrit autour de l’art du jardin et étroitement liés au désir de cultiver l’intimité de ses jardins les plus secrets afin d’y  Faire surgir monts & merveilles de la terre pour un grand plaisir de lecteur.

 

 HM

EN TIRANT SUR LES MOTS

James Sacré

Éditions Potentille

 

7 €

2 ième Trim 2010

 

Refermée l’ultime  page du livre, achevé le dernier poème, quelque chose de curieux se produit. J’ai le sentiment de trouver dans ce livre un peu de moi-même. C’est souvent le fait d’un bel ouvrage de poésie qui lie le singulier au collectif. Et en le refermant, j’ai le geste de presser le livre contre moi, tout en serrant de mes doigts l’épaisseur de ses pages comme pour tenter de saisir, je ne sais… ce sentiment qui s’en échappe et me rattrape. La poésie est affaire du corps.

 

Un sentiment alors que j’interroge et creuse. Cette impression confuse d’une beauté jaillie de la lecture. Beauté qui me fait signe par l’évocation du père et par la simplicité  – apparente –   d’un parler recréé qui me fait songer à celui de paysans, ces gens de terre. La poésie est-elle comme un travail de la terre ?

Et la forme de cette écriture, non dans son apparence sur la page mais dans la structure du langage me touche, comme bouleversée soudain par l’émotion, jamais loin, qui se glisse dans le vers. Vers langagier et chaotique qui tracent comme des labours préparant des récoltes d’une saison prochaine. Qu’est-ce donc la poésie ? L’importante bibliographie de James Sacré n’a pas épuisé la question. D’où provient ce plaisir, ce désir d’écrire des vers ? James Sacré le recherche sans bien réussir à le préciser. Et c’est tant mieux au fond ! Car c’est bien par cette quête que nous trouvons nous aussi, notre plaisir de lire.

 

À moins, que ce plaisir suscité ne se loge subtilement dans la forme de cette écriture ? Lorsqu’elle recrée ici une langue,    ce langage qui est comme –chahutant la syntaxe pour évoquer à mes sens ce parler entendu dans l’enfance. Celui des vieux d’alors rectifiant la syntaxe aux contrées de la règle, percutant les oreilles de leurs élans de bons sens.

Un parler,  faut-il le rappeler, pétrit dans cette obligation, que dis-je ce devoir ! d’apprendre la langue de ce pays de France.  Une langue de  terre bien émouvante. Mais « d’où vient ce qui chante » écrit le poète

 

Et pourquoi écrit-on ? James Sacré s’interroge dans le flux de ses vers   Si j’ai quelque chose à dire,  s’étonnant de savoir Si même c’est de la poésie / tu ne sais pas. Mais il ressent imperceptiblement pourtant que ça remonte de loin et que soudain sur la page,  c’est là !

d’avoir trimé longtemps, bien t’es content

Et le lecteur aussi dans ce plaisir partagé !

 

HM

ECHELLES

Alain Wexler

Editions Henry

Montreuil-sur-Mer

 

L’échelle en tant qu’objet reste la belle abandonnée des poètes. Devenue symbole elle fait l’affaire des scientifiques et des physiciens. Cette affectation « technique » est sans doute pour quelque chose en l’indifférence poétique à son endroit d’autant qu’en tant que métaphore son image est éculée. On peut pourtant lui accorder le plus grand intérêt : née bois et créant le lien entre le haut et le bas, l’homme tout entier fait corps avec elle.

 

Fidèle entremetteuse de l’élévation Wexler en fait son miel sans pour autant la considérer comme l’accès vers un au-delà. Il existe en effet dans l’objet autant des possibilités de chute que d’exhaussement.  Dans la fluidité qui lui est chère le poète lui offre une nouvelle dimension et un mouvement cyclique. Quand l’échelle atteint le toit, les ardoises en effet peuvent commencer à y glisser. Mais toujours est-il que pour l’auteur elle reste l’intermédiaire « entre l’homme et ce qui l’environne »  pour ouvrir le champ de son réel et de ses possibilités.

 

Proche de Ponge la poétique de Wexler fait éclater les images du réel par un détournement particulier. Il permet de dépasser le pur symbole, la simple allégorie de l’objet. Le poète pratique dans son livre des labyrinthes et des digressions jamais intempestives contre la « maladie de la langueur ». Il poursuit une aventure toujours recommencée à chaque nouvelle étape. Ni simple reflet du monde extérieur ni seul projet du moi profond, son texte reste la meilleure formulation possible d'une réalité absente dans laquelle une sensibilité inquiète mais solide rôde.

 

Ému par la fragilité des êtres et des choses mais aussi par les grands espaces, le poète organise son travail par séries jamais closes. Et devenu "phénomène d'être" selon la formule de Bachelard, l’échelle dépasse ici la simple thématique. Une réalité plus profonde est convoquée. Le monde est redécouvert, dévoilé et s'ouvre à une contemplation émotionnelle qui ne possède rien de compassionnelle. On se retrouve Au pied de l’échelle en quelque sorte. Ponge n’est donc jamais loin.

 

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Revue Passage d'Encres N° 38 - 39 : ARGENTINES

ARGENTINES,

revue Passage d’Encres n° 38-39,

Romainville.

http://www.passagedencres.org/

Ranger la revue Passage d’Encres simplement parmi les autres revues revient à minimiser son apport. La littérature s’y ouvre visuellement au sein de ce qui tient d’un ordre de la mise en scène comme le prouve le numéro intitulé « Argentines » dirigé par Jordi Bonells grand spécialiste des littératures hispaniques et Christiane Tricoit directrice de la revue et attachée affectivement à ce pays.

Leur approche multiple échappe à une visée d’école afin d’épouser le rythme de l’espace et du temps. La revue embrasse le pays en s’éloignant des théories fumeuses de hasard objectif. Tout est mûrement réfléchi mais laisse passer de l’air autant par l’apport iconographique (celle entre autres de Ricardo Mosner) ou de textes qui peuvent surprendre dans un tel corpus (comme celui de Muscat ou de Delphine Gras).

Ce numéro accorde avant tout la pure contemplation d’une littérature souvent mal connue. S’y perdre est un plaisir d’une découverte de figures qui échappent à un lecteur franco-français. Ce numéro crée un triple corps qui dépasse paradoxalement les époques et les simples frontières géographiques. Une dimension du quotidien est là mais elle est traitée par Maria Fasce, Andres Neuman ou Florencia Abbate de manière, sinon à réparer le temps, du moins de le suspendre et d’interrompre ou d’enrayer la mort qui peut si souvent se répéter.

L’ensemble ouvre à une autre vision de l’Argentine. Par une vision transhistorique qui ne se soucie pas seulement des effets faciles de l’exercice délibéré du sarcasme une telle approche permet à un lecteur francophone de comprendre combien cette littérature foraine demeure proche et en rien exotique.

Libres, liés à l’énergie, les textes (en particulier « de création »)  évoquent des histoires dont on ne sait rien et dont pourtant on pourrait tout savoir tant elles sont proches. L’axe de nos propres vies  y  oscille. Et Bonells a fait le choix judicieux non de souligner des différences mais  de rapprocher deux continents afin  d'aller plus loin, de défaire et refaire le monde.

L’Argentin exilé et Christiane Tricoit font saisir le mouvement de la littérature et nous permettent de comprendre que voir le visible ne suffit pas. Il faut aller plus loin. Ne plus voir comme nous apercevons habituellement mais distinguer ce que nous percevons lorsque la littérature nous « regarde » afin de nous apprendre ce qu’il en est d’embrasser le réel qui échappe.

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GUY PIQUE ou LA POESIE DU CORPS

La peau des Etrécis,

Guy Pique,

Editions de l'Atlantique, Collection Phoibos,

50 pages,

15 euros

 

 

 

Guy Pique l'écrit lui-même :

"souvent la voix

traîne sans chair",

"La peau des Etrécis" évite cet obstacle. Reprenant - mais à sa donne et à sa main  - une problématique chère à Artaud, le poète secoue la langue à travers  la peau et les os dans les nerfs de son poème. S'y développe une torsion où seuls les mots tiennent encore. Pour le reste tout va par creux et ellipses:

"là               chair

se désécrit

en mesure               à lumière

produit son creux

son blanc traînant

 

n'elle résiste

se sachant pauvre

                        se sachant pauvre

de lézards

d'orgueil".

 

Le poète n'en appelle plus, parlant des corps, à leurs silhouettes atmosphériques. Il y a en eux des excès et des trous. Manière de montrer qu'il manque toujours à la viande et son chapiteau  une interprétation.

 

Le poète propose donc la sienne dans une langue dont l'éclat trahit la nuit de l'être et à travers celle-là il tente de donner à celui-là une tenue, une résistance. Que bien, quel mal, bref tant que faire se peut là où

"s'en sifflent

                   des riffs

                               lâches des liens".

Le corps doit donc à la fois se tenir et s'ouvrir, s'écoper au sein de son angoisse. L'éloge de la vie se crée dans une étrange moiteur de la chair. Le corps à la fois ne promet rien et donne tout.

 

Guy Pique évite tout baratin : le barattement du corps suffit. Son texte dessine des mouvements d'un univers où le souffle tente de rentrer, de sortir. Plus que sur nous sommes dans la peau qui n'a jamais aussi bien porté les termes de "sac d'os". Le poète cherche ainsi le fil paradoxal qui clôt et qui ouvre

"le saut de l'inouï éclos

       vers l'arrêt

       l'embaumement"

mais aussi

"le point d'union

       de gué

                   entre feu qui écarte les côtes

                   et l'oubli de la perte".

 

On est donc bien loin des comédies poétiques habituelles dont se contente la poésie. Après "Aube de Peau" et "Haut Corps" un pas de plus et au-delà est franchi. Un pas dedans aussi. Preuve que contrairement à ce que pensait Valéry le plus profond dans l'homme n'est pas sa peau mais ce qui en dedans ne prend pas seulement part au poids mais qui maintient un vide pour que la respiration existe. On a cité Artaud : mais Novarina lui-même n'est pas loin.

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Images natives ou Liturgie du quotidien

Paule Domenech

Editions de l'Atlantique, collection Phoibos, 2009

16 euros

« Images natives ou Liturgie du quotidien... le titre de l'ouvrage lui-même montre assez combien Paule Domenech célèbre et même sacralise un quotidien fait avant tout de couleurs, d'odeurs, de sensations de toutes sortes qui, finalement, constituent pour elle la trame essentielle du monde, un monde bien concret dont elle fait admirablement l'alchimie, délivrant les essences des choses... » C'est ainsi que Sylvaine Arabo, l'éditrice, présente le beau recueil de la poète née à Alger en 1944. On pénètre dans le livre comme dans une maison que nous avons habitée et qui décrit notre existence/ dans une vérité intime propre à nous engendrer. Les souvenirs reviennent à travers les choses ou les êtres disparus tel le commis voyageur qui réapparaît dans le rêve ou le chat enterré depuis longtemps qui pousse du museau la porte entrebâillée de la chambre qu'il aime, chambre qui a disparu elle aussi. Mais le présent n'est jamais loin : Les souvenirs ne sont pas ceux du nouvel occupant,/ qu'importe ?Ils finiront par l'apprivoiser... Un agréable moment de lecture.

 

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J'irai rêver sur vos tombes

Maurice Couquiaud,

Editions de L'Harmattan

110 pages

11,50 euros.

 

MAURICE COUQUIAUD : LES GRISéS DéGRISéS

 

Maurice Couquiaud ne tient pas la pose, il ne joue pas l'âge venu au vert galant :

"Vieillir

c'est apprendre à mieux aimer l'amour

en le faisant moins

à le styliser par des silences

à le déshabiller dans l'ombre

pour en caresser les formes oubliées"

Pour autant, à l'inverse de Lucian Freud, le corps n'est pas gris, irrémédiablement gris. L'outrage du temps n'est pas un outrage fait à la vie mais un accomplissement avant l'ultime lumière du soir. L'existence suit donc son cours, selon un autre rythme et selon une sagesse dont on a oublié les leçons de toujours puisque la vieillesse est devenue un tel tabou qu'on l'affecte de périphrases plus ridicules les unes que les autres.

 Refusant de cracher sur ses fantômes l'auteur profite du temps qui lui reste et de la poésie pour leurs parler avant d'aller avec les ombres pleurer sous leurs tombes et la sienne. Doté d'une humanité indulgente qui sait le prix des valeurs et pas seulement celui des choses tout érotisme n'est pas écarté mais il se fait discret. À la sauvagerie du corps fait place la conscience de ce qu'il fut. Et si le désespoir a des mouvements de suie et de poussière de gravats le poète les disperse sans les respirer. Que l'être ait un goût de cendres ne peut le satisfaire et il cultive la douce folie d'être face aux

"maîtres nageurs de la raison (qui) se noient dans les bassins de l'ombre".

La nuit est là mais le matin aussi. Il faut s'en étonner tant que cela dure même si l'espoir est fragile. Il convient de plonger dans son bain d'huile pour rester "allumé".

 Couquiaud a décliné longtemps des couleurs roses, sable, ocré. Mais avec le temps le cuivré s'est oxydé dans un transfert du pastel au passé. Et c'est là toute l'ambiguïté d'une poétique ouvertement et sobrement ironique mais qui n'en reste pas moins tragique. L'auteur demeure travaillé par le temps qui passe et par la mort. Tous ses poèmes en portent la trace même s'il la maquille sous des couches de chair. Le corps peut être encore vaguement désirant mais clos dans une attente sans illusion. Car le désir est une expérience qui suppose l'échec au moment où le corps est « enchaîné » à un affaissement, à une désillusion comme s'il se savait voué à une fin de non-recevoir.

 Néanmoins le poète propose avec "J'irai rêver sur vos tombes" une œuvre étrange dont l'aventure comme toujours chez lui reste existentielle. Elle provoque un mouvement d'horreur ou de repoussoir chez certains. Elle peut engendrer des silences mais aussi une fascination quasi agissante. Nul ne sait en effet si les corps obsolètes ne vont pas sortir de leur prostration et redevenir des cœurs habités de la joie de la génitalité. Ils peuvent émerger du silence, renoncer encore à leur incomplétude humiliée. Couquiaud prouve que la volupté peut prendre des voies particulières et que tout demeure possible. Du grisé à la griserie le saut dans l'impossible représente encore une hypothèse désirable tant que demeure la seule certitude vitale : "l'amour est une arme de construction massive".

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Regards de femmes

Anthologie de haïkus francophones Sous la direction de Janick Belleau

Co-éditions AFH et Adage, 2008

14 euros

 L'Association française de haïku et la maison d'édition québécoise Adage présentent un collectif de haïkus de 86 auteures venues d'une grande partie du Québec, mais aussi de France, de Belgique, d'Algérie, de Tunisie, de Chine, des Etats Unis et de l'Inde.

Janick Belleau, haïjin québécoise, a rédigé une intéressante étude intitulée « Francophone et féminin, le haïku » qui tient lieu de préface et qui tend à déterminer si les thèmes dits féminins sont utilisés en haïku. La question est posée : existe-t-il une écriture du haïku spécifiquement féminine ? Les thèmes abordés sont plutôt larges : l'amitié, la famille, les passages de la vie, la société sans fard, l'avenir de la Terre... De l'intime à l'universel, le haïku parle des préoccupations qui touchent la vie des femmes : l'image maternelle, au clair de lune/ veillant l'enfant malade/ silence d'une mère (Chantal Couliou) et envol d'étourneaux/ qui se battent pour des graines/ je pense à mes fils (Monique Coudert) ; l'angoisse du temps qui passe, sur la plage/ une famille comme la nôtre/ il y a quinze ans (Louise Vachon)... mais le haïku « féminin » porte aussi un regard critique sur la société, ses injustices : chargée d'emplettes/ elle slalome entre les tentes/ des SDF (Dominique Champollion) ; Changement de saison -/ on décide de la guerre/ sur un calendrier (Louve Mathieu)... Une anthologie très riche où chacune et chacun peuvent se retrouver, car plus que « féminine », l'écriture du haïku tend à être davantage - ce que Janick Belleau appelle - une « écriture androgyne ».

 

LP

 

Les morceaux de l'image

Colette Deblé

« ficelle n° 95 », avec des poèmes de Jacques Ancet. Atelier Vincent Rougier, Soligny la Trappe

6 €

Non paginé                                                                               

 

Chimie  ou   les Elles du désir

Colette Deblé ne cesse de créer des images où les "faces opposées des choses" coexistent et où le féminin prend toute sa dimension et son accomplissement dans une enquête filée tout au long de l'histoire de l'art, à la recherche des images de la femme. Plus de deux mille lavis, dessins et peintures constituent une sorte d'essai plastique sur la représentation des femmes dans l'histoire de l'art. Ce projet, l'artiste l'a clairement défini :

"A-t-on jamais tenté d'explorer par des seuls moyens plastiques l'histoire de l'art ou l'un de ses aspects, comme le font l'historien et l'essayiste à l'aide de l'écriture. Mon projet est de tenter, à travers une infinité de dessins, de reprendre les diverses représentations de la femme depuis la préhistoire jusqu'à nos jours afin de réaliser une analyse visuelle des diverses postures, situations, mises en scène."

Chaque œuvre saisit une attitude, une posture, un simple geste d'une femme appartenant à une scène peinte, sculptée ou photographiée provenant de n'importe quelle époque. Émerge donc toujours un personnage féminin prélevé par l'artiste de la configuration d'origine, de son sanctuaire premier. Mais la re-présentation ignore le contexte tout en conservant se trace fantomatique. Des « idoles légères » comme les définit Jean-Paul Goux arrachées aux carrières antiques montent vers des plafonds célestes ou vers des îles sous le vent.

La femme est donc déesse mais à la religion païenne. L'artiste en est la prêtresse libératrice et gorgeant les clés de voûtes de leurs nouvelles cathédrales aux ogives parfois ouvertement érotiques. Condensation et déplacement, brutalité d'un désir féminin, féminisation de la sexualité qui du phallus passe à la cascade. Colette Deblé crée une pluie, un ruissellement dont le cercle ne cesse de s'agrandir. On est dedans sans y être, mais on espère ne pas en être exclus et ce depuis une scène primitive où immanquablement l'artiste finira par nous faire remonter.

Même si ce n'est pas son objectif premier elle nous permet de savourer jusque dans l'écart la substance de l'intimité utérine. Car ici est le lieu et la réalité, l'identité suprême, la nuit d'été. Les figures féminines de l'artiste harcèlent donc l'origine jusqu'où elle ne sera plus, où nous serons enfin. Arrachant à la barbarie iconographique et « male-igne » des siècles passés ses figurines, Colette Deblé corrige le un avec le deux. Elle soigne le fruit plus que le tronc. Elle ne loge pas l'air dans la racine, mais sur la fleur. Le sexe masculin glisse ainsi à l'oubli, s'ampute de lui-même car il fut toujours peu prolixe sinon de sa déité auto programmée.

Colette Deblé démembre ainsi certains rêves de jouissance pour en remonter d'autres. Quelque chose communique avec tout. Le sexe féminin soudain est non seulement à mais notre image. Nous sommes (nous les mâles) son reste qui se consume : une évanescence à peine visible qui se désagrège en tant que promesse si souvent non ou mal tenue.

Les unes de nues, les voilées ou les dévêtues par nuées parviennent malgré tout à modérer le froid de l'hiver sur les îles de leurs corps telles que Colette Deblé les a réinventées afin que si selon Roberto Juarroz

« Le centre de l'amour

Ne coïncide pas toujours

Avec le centre de la vie »,

en de telles propositions un recentrage ait lieu.

JP-GP

  

 

 

           

                                                                      

Les Plumes d'Éros

Bernard Noël

P.O.L  ÉDITEUR

441 pages

29 euros

Bernard Noël a regroupé tous ses textes « érotiques » (même si ce mot est trop restrictif et fallacieux) publiés ou inédits afin de montrer que la plaie d'amour est autant dans la tête que dans le corps. Autant dans le masque des postures et impostures que dans la chair et la peau. Bref l'amour n'est pas qu'un « désir de duvet ». Sous le frémissement du cru se cherchent des figures d'Éros parfois inattendues. Il y a autant des « Parois partout (que) des planches en l'air ». L'espace du corps est une caisse qu'un peu d'obésité mentale se plaît à soulever.

De la noire sœur naît du désir mais autant de la langue. Parfois fourvoyée elle se transforme aussi en une bouture de nuit qui permet  de revoir le jour. Et si la voix « bâtit de l'air en croyant dire l'amour » il arrive que la bouche ait devant elle une profondeur de vie sur l'infini des lèvres. Le cerveau garde ses rêves mais la viande est son lit. La tête crée donc la grandeur du sexe et pas forcément par désir de miroir déformant.

Mais Bernard Noël sait que le corps ne possède pas assez de sexe pour multiplier ses dimensions. Il lui faut du langage pour tenter le saut vers ce qui le presse pour ne pas seulement tenter de résister à la mécanique de l'espèce. Le texte lui-même (lorsqu'il ne tombe pas dans le factice) sert de support au jeu d'un « Nous ». S'il peut le dévoyer il peut tout autant mettre le bas dans le haut. Et si l'on sait le danger des tête-à-queue dans les écarts de conduite, le texte peut creuser les reins vers l'invisible. Il suffit presque à son jaillir et le cœur peut venir quand il s'abouche à la blessure de l'Origine.

« Les Plumes d'Eros » appelle le vivre essentiel. L'ensemble des textes réunis par leur auteur devient la venue d'une lumière profonde qui s'empare de l'ombre trouble de l'intime. Son secret est un besoin de matière. Et son manque est un infini. La langue touche alors une serrure dont la « combinaison » demeure souvent cachée. À la condition que le corps ne soit pas qu'un mot. Sa vérité tient dans son ouverture s'il met sur la douleur et sur le plaisir un grain de souffle.

JPGP

Revue Saraswati N°10

Revue SARASWATI N° 10,  « L'expérience poétique »

 

Silvaine Arabo

Décembre 2009

210 p

25 €

Pour se procurer le numéro...

Avec pour titre L'expérience poétique ce dixième numéro de la revue Saraswati nous propose, par l'intermédiaire d'un large questionnaire, d'entrer dans la petite fabrique de poésie de cinquante et un poètes contemporains. Ce numéro rassemble aussi en son centre la reproduction d'œuvres des graveurs Simone et Henri Jean accompagnée d'un entretien conduit par Silvaine Arabo. On découvrira avec plaisir ces gravures, fruits d'un travail commun où des personnages, des animaux, des végétaux dans une facture naïve emplie d'infimes petits détails, racontent la vie, tout simplement.  Alain Simon participe à ce numéro au double titre de poète et de plasticien avec des pastels riches en couleurs et en lumière. Michel-François Lavaur y est présent aussi en tant que graphiste avec ses dessins à l'encre noire.

De Jacques Ancet à Patrick Werstink auxquelles s'ajoutent, parmi de nombreuses autres, les voix de Jean-Michel Bongiraud, Jacques Canut, Michel Cosem, Chantal Dupuy -Dunier, Jean-Paul Gavard-Perret, Emmanuel Hiriart, Gilles Lades, Jean-Pierre Lesueur, Claude Mourthé, Roland Nadaus, Serge Wellens... tous, dans l'éclectisme de leur chemin poétique répondent au questionnaire qu'avait proposé Silvaine Arabo pour l'élaboration de ce numéro.

Ce qui apparaît en premier lieu, c'est la grande diversité des réponses même si on distingue dans les rapprochements que l'on peut en faire des sensibilités communes, des pratiques similaires, des points de vue semblables. On ne résume pas en quelques lignes les réponses d'une cinquantaine de poètes s'exprimant sur la poésie, dont chacun généralement s'entend pour dire à son propos, une incapacité à en donner une définition précise et exhaustive. Seule la lecture de ce numéro permettra à chacun d'apprécier la quintessence des propos tenus, d'entendre la force des argumentations déroulées dans les textes, d'en partager l'expérience. C'est pour le lecteur, poète ou non, l'occasion de se nourrir de ces bribes et de ces éclats d'expériences partagés dans la clarté des propos.  L'authenticité, la sincérité qui traversent ces entretiens recueillis par Silvaine Arabo sont le fondement et l'un des intérêts de ce numéro autour de l'expérience poétique. Chacun pourra en éprouver les bienfaits en tant que lecteur ou qu'écrivant.

Voici quelques extraits de questions auxquelles les poètes devaient répondre, accompagnés d'un choix forcément subjectif de réponses .

Qu'est-ce que le mot ? Un passage ;   l'outil et le matériau ;   ...une clé pour aller vers l'autre ;    Le mot : rien. La chose : tout ;    Serge Wellens pour sa part écrit que ce sont des chiens d'aveugles... D'où émane le poème ? Pour Chantal Dupuy-Dunier   ... ça parle depuis l'inconscient, individuel ou collectif...  quand sur un autre registre Collette Maillard écrit :   Le poème vient de la main. C'est la main écrivant qui l'étire de moi comme la soie d'un cocon...      La poésie doit-elle obéir à des règles ? Cette question de la règle a partagé les opinions entre ceux récusant toute possibilité de règles quand d'autres en jugent certaines nécessaires. Roland Nadaus    ...seule la probité donne le vertige... ou Jean-Paul Gavard-Perret       Il n'y a pas de « règles » sur les règles       déplaçant quelque peu le registre de la réponse réconcilieront peut-être tous les poètes.   Quelles sont les missions de la poésie ? Selon l'acception avec laquelle on entendra ce mot de mission, les poètes expriment que nul n'en assigne à la poésie ou qu'elle les a toutes à la fois. Collette Gibelin écrit que pour elle,    elle est une nécessité     et un Emmanuel Hiriart un peu provocateur ajoute     ...que la grandeur de la poésie est de ne servir à rien...   Comme on le voit les questions ont suscité des réponses diverses, différentes et parfois contradictoires.

Mais c'est à chacun de se  faire une opinion en lisant ce numéro 10 de la revue Saraswati pour découvrir l'ensemble des réponses, dont l'intérêt dépasse bien sûr celui de cette courte recension.

 

HM